Gallery Kawafune ギャラリー川船

日常を刻み込む花々たち
吉村芳生展
2005年10月3日(月) - 10月22日(土) 11:00-19:00 日・祭日休廊

吉村芳生 インタビューはこちら!

私にとって、個展は1番の発表の場です。会場で見る作品はアトリエで見るのと印象が違い自立した子供のように立派に見えます。絵は神秘であり、魂は絵に宿る。私は何を求めて絵を描いてきたのか、自問自答する日々です。> > > 続き


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日常を刻み込む花々たち
菊屋吉生

鮮やかな花々が見事に再現的に描かれている。そしてそれらは一見すると、対象を忠実に写し取ろうというスーパーリアリズムをめざした作品のようにも思える。ところがその画面をより仔細に見ると、油絵とは違った微妙にざらついた絵肌に気づき、さらにそれが尋常とは思えないような微細な色鉛筆の塗り重ねの変化によって描かれていることに驚かされる。その異常さに気づいた時に、この画面が美しい花々たちを、単なる写真のようにそのままリアルに再現しようとしただけのものでないことにも気づきはじめるのである。
とはいうものの、吉村芳生の作品のもととなっているのは、たしかに彼自身がカメラによって撮影し、プリントした写真である。彼はこのカラーの紙焼写真に鉄筆で微細に方眼を刻み込み、さらにそれを同様に細かい方眼を施したアルシュ紙(色鉛筆で塗った際の不自然な光沢や鮮やかさが抑えられるので都合がいいという)の上に写し取っていくのである。その時この細かく小さな方眼の升目一つ一つのスペースごとにおける色合いを、120色余りある色鉛筆を慎重に塗り重ねながら、微妙な色調を合わせていくのである。無数にある方眼の一つ一つにこうした作業を施しながら進められる仕事は、まさに普通の感覚からいえば気の遠くなるような作業の積み重ねとなる。さしずめ忍耐力に自信のない筆者などは、2,3時間で音をあげてしまう作業である。こうした作業を一日何時間も、ほとんど毎日のように繰り返すことによって、やがて50号(150号の大作もあるが)の画面を仕上げていくわけだが、いくら熟練した吉村であっても、年間3,4点制作するのが精一杯であるという言葉も十分頷ける。
この色鉛筆による描写作業は、自らの体調を整えながら持続される吉村の日常の淡々とした行為であるともいえる。つまりこうした微細な作業は、自らの呼吸がゆったりと深く整ってないとできない作業なのだ。かつて吉村がモノクロの鉛筆で微細に描いていった新聞紙面(「毎日新聞」、「ジャパンタイムス」)や365日描き続けた自画像なども、こうした日頃の体調を整えながらのいわばコンセプチュアルな内容を含んだ持続的な行為の結果としてのものであった。ただこうした初期の作品群は、ある意味では無機質な自分自身へのひたすらなる沈潜の行為だったといえるかもしれない。そしてそれが有機的で、豊かで鮮やかな色調を持った色鉛筆による作風へと変化したのは、山口県の中央部、徳地の谷あいで生活するようになってからであった。
しかし、吉村の作品制作における姿勢自体は、そのモノを見ることと、モノを描写することとの関係の上からは、初期の頃から一貫して今も変わらないといえる。つまり吉村の場合、初期の新聞紙面も自画像も、たしかに写真をもとにしながらその写真をありのまま引き写してはいるものの、いわばそれらは写真を通して吉村自身がとらえる視覚の集積としての画面という意味を帯びていた。言い換えればそれらは、もととなる写真の細かく区切られた方眼における、吉村自身の視覚によってとらえられる白から黒への明度のグラディエーションを、それとは異なる画面の区画のなかにあたかも模様や文様のようにひたすら再現したものであった。したがって彼自身は、作品制作の途中においては、自らの視覚がとらえる具体的な対象のイメージ(新聞や顔など)を描きながらも、実際は具体的なものとしてのイメージを描いているのではなく、あたかも単なる模様や文様を描いているような感覚に陥っていたという。
ところが近年の吉村は、そうしたストイックなあり方から、しだいにより開放的な気分で、仕事を進めるようになってきた。18年前、都会から山間の小さな集落に居を移したということは、彼自身にとって自らの周囲へのまなざしのあり方を変えることへと繋がったし、豊かな自然と自身との関わりに改めて気づくことへも繋がった。色とりどりの美しい花々を色鉛筆で微細に写し取ることは、一方で腱鞘炎の不安を抱えたシステマティクで単調な行為であるけれど、吉村にとってはあくまで豊かで楽しいコンスタントな日課となった。そしてまた、その作業が熟練してくるにつれて、そこでは花々はそのまま写し取られるのではなく、その鮮やかさや配置などもかなり自由に制御可能となっていったのだった。
「人は肉体的経験論で成長していく」と語る吉村は、まさに色鉛筆によって花々を視覚の断片として分解し、さらに再構成していくというねばり強い身体活動(肉体的経験)を通して、彼自身にしか成しえない自らの日常の淡々とした生活リズムを刻み込んだ特異な表現世界を、今みごとに開花させようとしている。

(きくやよしお/山口大学助教授)

 

The Flowers Engraved on Everyday Life
Yoshio Kikuya

Yoshio Yoshimura’s brilliant flowers are drawn as fine reproductions. With one glance we can get the impression that in the works’ super-realism there is a faithful attempt to represent the subject. However, if we look more closely at the details of the work we see that it has a surface that is subtly different from that of oil paintings. Moreover, we are surprised at the abnormal effect of layers of extra-fine coloured pencil strokes. When we clue into this abnormality, we begin to realize that the artist wasn’t merely trying to do a photograph-like realistic reproduction of the beautiful flowers that appear in his works.

What sits at the starting point of Yoshimura’s works are prints of photographs he most definitely took himself. Onto these colour prints, he engraves a graph using a stylus, then he copies the images onto graphed Arche Paper. (Arche Paper is known to suppress the unnatural gloss or brilliance of coloured pencil drawings.) Then using over 120 coloured pencils he carefully colours in the spaces of the squares of the fine graph one-by-one, while carefully adjusting the subtle colour balance. The work of filling in these countless squares one-by-one, becomes, if one were to use everyday sentiments as a reference, an accumulation of labour that distances the mind. In fact, an artist lacking in confidence and fortitude would lose focus after 2 or 3 hours. No matter how masterful and fortuitous Yoshimura may be, it is totally understandable that repeating this kind of work for hours a day nearly everyday 3 or 4 works a year is his limit.

It can be said that the labour of this depiction by colour pencil is the act that sustains Yoshimura’s everyday serenity as he maintains the state of his body. In other words, it would not be possible to continue such work without deep and well balanced breathing. In past works Yoshimura has done detailed monochrome illustrations of newspapers (“Mainichi Shinbun,” “Japan Times,”) he also once did monochrome portraits of himself everyday for 365 days. One could say that the way he maintains himself while doing such monotonous work in everyday life is the conceptual content of his work. However, it may be that the early body of his work is partly an act of totally engrossing an inorganic self. Then, it was when he started to live in the Tokuchi Valley in the centre of Yamaguchi Prefecture that his style transformed his works into these more organic, rich, vivid coloured pencil illustrations.

However, it can be said that the stance of Yoshimura’s artwork production, in relation to looking at “things”, and depicting “things” is consistent and unchanging from his early days until now. Basically Yoshimura - in his early illustrations of newspaper pages as well as his self-portraits - uses photographs and copies the images as they are. In so doing it may be safe to say that it is through photographs that he himself gains his accumulated visual sense that instills meaning into his works. To say it in another way, Yoshimura’s own visual sense of the brightness gradation from white to black of his source material, - the photographs finely divided by graphs, - appears on another surface as a pattern or design-like earnest reproduction. In line with this, when he is making his works, even when he draws the image of a visually concrete subject (whether newspaper or face), he is actually not drawing the concrete image, but rather it is as though he falls into a state of simply drawing a design or pattern.

Mind you, in recent years, while following such a stoic path Yoshimura has begun to be able to carry on his work with a more relaxed state of mind. In Yoshimura’s own perspective he believes that his moving from the big city to a small village in the mountains 18 years ago is connected to both his changing of the way he considers his surroundings, as well as his awareness of the relationship between abundant nature and a well-rounded self. Representing beautiful flowers of various colours in minute detail using coloured pencils is on the one hand a monotonous act that carries with it the fear of tendonitis, but on the other hand, to Yoshimura, it has become what can only be described as an enriching, enjoyable constant daily work. Furthermore, in line with his mastery of this vocation, his flowers have become not just realistic representations of the flowers as they are found in the photographs but their brightness and location have become freely controllable.

As Yoshimura says, “People grow through the experience of the flesh,” it is precisely through his coloured pencils that he breaks the flowers down into visual fragments, further reconstructing them and then through a tenacious act of the body (or, experience of the flesh), the rhythm of life or daily experience of serenity that only Yoshimura himself can actualise, he engraves a unique expression onto the world. Now he is trying to allow this expression to blossom brilliantly.

Yoshio Kikuya
Associate Professor
Yamaguchi University

コスモス

2002年 色鉛筆・紙 112.1×162.1cm

ケシ

2003年 色鉛筆・紙 112.1×145.5cm

コスモス

2004年 色鉛筆・紙 116.7×80.3cm

フジ

2004年 色鉛筆・紙 116.7×80.3cm

バンダ

2003年 色鉛筆・紙 116.7×80.3cm

ドローイング 新聞(1)

1977年 鉛筆・ケント紙 55×85cm

365日の自画像

1981-1990年 鉛筆・紙 各12×12cm

 

吉村芳生

1950 山口県防府市に生れる
1971 山口芸術短期大学卒業
1979 創形美術学校卒業

展覧会略歴

1977 現代日本美術展(東京都美術館 他)
1978 日本国際美術展(東京都美術館 他)
シェル美術賞展 佳作賞(東京セントラル美術館 他)
1979 ジャパン アート フェスティバル(ポーランド 他)
イギリス国際版画ビエンナーレ アーガス賞(イギリス・プラッドフォード美術館)
1981 世界の現代版画25年展(東京都美術館 他)
明日への造形"変換と差異−複製技術社会の中で"(福岡市美術館)
1982 マイアミ国際版画ビエンナーレ メリット賞(フロリダ・メトロポリタン美術館)
1983 現代のリアリズム(埼玉県立近代美術館)
1984 小林和作賞受賞
1985 現代のセルフポートレイト展(埼玉県立近代美術館)
1986 ザ・メッセージ 日本現代美術83人展(横浜そごう美術館)
1991 個展 830日の自画像展(下関市立美術館)
2000 雪舟グランプリますだ 特別優秀賞(益田市)
2003 個展 花燦凝視"色鉛筆で見つめられた花たち"(山口市・C.S赤レンガ)
2004 個展 (東京・ギャラリー川船)
2005 個展 (防府市・ギャラリー写楽)
個展 (広島市・福屋)
個展 (山口市・ちまきや)
個展 (宇部市・ギャルリー小川)
個展 (東京・ギャラリー川船)

コレクション

東京都現代美術館
山口県立美術館
東広島市美術館
ワルシャワ美術館(ポーランド)
クラコウ美術館(ポーランド)
マイアミ メトロポリタン美術館(アメリカ)
ベルギー文化省(ベルギー)

 

 

Yoshio Yoshimura

1950 Born in Hofu Yamaguchi
1971 Graduate from Yamaguchi Junior College of Arts
1979 Graduate from Sokei School of Fine Art

Exhibitions

1977 Contemporary Japan Arts Exhibition(Museum of Contemporary,Tokyo)
1978 Japan International ArtsExhibition(Tokyo Central Museum)
The Shell Prize Exhibition,received the Shell Prize(Tokyo Central Museum) 
1979 Japan Art Festival(Poland etc.)
The Britain International Prints Biennial Exhibition,received Argus Prize
1981 Contemporary Prints from the World 25years(Museum of Contemporary,
Tokyo)
1982 Miami International Prints Biennial Exhibition,received Merit Prize(Florida, 
Metropolitan Museum)
1983 Contemporary Realism(The Museum of Modern Art Saitama)
1984 Received the Kobayashi Wasaku Prize
1985 Contemporary Self−Portraits(The Museum of Modern Art Saitama)
1986 The Message “Japan Contemporary Artists 83”(Yokohama Sogo Museum)
1991 Solo Exhibition“Self−Portraits 830 Days”(Simonoseki City Museum)
2000 SESSYU Grand Prize Masuda,received the Special Excellence Prize(
Masuda)
2003 Solo Exhibition“Kasan−Gyoushi ”(Yamaguchi, C・S Akarenga)
2004 Solo Exhibition(Tokyo, Gallery Kawafune)
2005 Solo Exhibition(Hofu, Gallery Syaraku)
Solo Exhibition(Hirosima, Fukuya)
Solo Exhibition(Yamaguchi, Chimakiya)
Solo Exhibition(Ube, Galerie Ogawa)
Solo Exhibition(Tokyo, Gallery Kawafune)

Collection

Museum of Contemporary,Tokyo
The Museum of Art,Yamaguchi
Higashi−Hirosima City Museum
Warsaw Museum
Miami Metropolitan Museum
Belgium the Ministry of Culture 

関連情報 2004.10

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